Kunstserie

Kunst aus aller Welt für einen guten Zweck

EIN GEMEINSAMES PROJEKT VON PALMERS UND JOSE ART GALLERY.

UNSER PROJEKT WIDMET SICH MIT TALENTIERTER KÜNSTLERINNEN UND KÜNSTLER UND IHRES KREATIVEN ERBES ZUR UNTERSTÜTZUNG DES VEREINS AUTONOME ÖSTERREICHISCHE FRAUENHÄUSER. 

Wir sind stolz darauf, der Welt die Gemälde dieser wunderbaren Künstlerinnen und Künstler auf T-Shirts der Marke Palmers zu präsentieren.

Weitere Details auf der Website der Jose Art Gallery

Jeder Druck auf unseren T-Shirts basiert auf einem Originalkunstwerk zeitgenössischer Künstlerinnen und Künstler. Unser Ziel ist es, ihr Talent in der Modewelt zu fördern. Wir wählen sorgfältig die lebendigsten und interessantesten Werke aus, um einzigartige und kreative T-Shirts zu kreieren.

Die Marke Palmers möchte in Zusammenarbeit mit der Jose Art Gallery zeigen, dass Kleidung nicht nur modisch, sondern auch ein wahres Kunstwerk sein kann. Wir glauben, dass jedes T-Shirt, das wir kreieren, eine einzigartige Bedeutung hat und ein wahres künstlerisches Meisterwerk ist.

Gleichzeitig spendet Palmers von jedem verkauften T-Shirt 10 Euro an den AÖF - Verein Autonome Österreichische Frauenhäuser.

Der AÖF - Verein Autonome Österreichische Frauenhäuser ist die Dachorganisation der autonomen Frauenhäuser und unterstützt Frauen und Kinder durch konkrete Projekte, Service, Information und Öffentlichkeitsarbeit. Frauenhäuser bieten Frauen und ihren Kindern Schutz, Sicherheit und umfassende Unterstützung. Gewaltbetroffene Frauen werden ermutigt und gestärkt, sich aus Gewaltbeziehungen zu befreien und mit eigenen Entscheidungen selbst ihre Zukunft und die ihrer Kinder zu gestalten. Jeder Cent, der in diese Opferschutzeinrichtung fließt, trägt dazu bei, Frauen und ihren Kindern ein gewaltfreies und selbstbestimmtes Leben zu ermöglichen.

Treten Sie unserem Projekt bei und unterstützen Sie sowohl die Talente von Künstlerinnen und Künstlern aus der ganzen Welt als auch den AÖF um Frauen und Kinder zu ermutigen und zu stärken. Wenn Sie ein Palmers-T-Shirt mit einem Originaldesign von einem unserer Künstlerinnen und Künstler kaufen, erhalten Sie nicht nur ein hochwertiges und stilvolles Produkt, sondern werden auch Teil eines Projektes, das dazu beiträgt, Kunst weltweit zu bewahren und einen wichtigen Verein zu unterstützen.

Art from Around the World for a good cause

A JOINT PROJECT BY PALMERS AND JOSE ART GALLERY.

OUR PROJECT IS DEDICATED TO TALENTED ARTISTS AND THEIR CREATIVE LEGACY TO SUPPORT THE ASSOCIATION OF AUTONOMOUS AUSTRIAN WOMEN'S HOMES.

We are proud to showcase the world the paintings of these wonderful authors on t-shirts of the Palmers brand.

More details on the website of Jose Art Gallery

Each print on our t-shirts is based on an original artwork by contemporary artists. Our goal is to promote their talent in the world of fashion. We carefully select the most vibrant and interesting works to create unique and creative t-shirts.

The Palmers brand, in collaboration with Jose Art Gallery, aims to show that clothing can be not only fashionable but also a true work of art. We believe that each t-shirt we create carries a unique meaning and is a true artistic masterpiece.

At the same time, Palmers donates 10 euros from every T-shirt sold to the AÖF - Association of Autonomous Austrian Women's Shelters.

The AÖF - Association of Autonomous Austrian Women's Shelters is the umbrella organization of autonomous women's shelters and supports women and children through concrete projects, service, information and public relations work. Women's shelters offer women and their children protection, security and comprehensive support. Women affected by violence are encouraged and strengthened to free themselves from violent relationships and to shape their own future and that of their children with their own decisions. Every cent that flows into this victim protection facility helps to enable women and their children to lead a violence-free and self-determined life.

Join our project and support both the talents of artists from all over the world and the AÖF to encourage and empower women and children. When you buy a Palmers t-shirt with an original design by one of our artists, you not only get a high quality and stylish product, but you also become part of a project that helps art worldwide and support an important charity.

Artikel 1-9 von 10

  1. Jose Art Gallery

    Shirt für Damen - Mycelium plant

    60,00 €
  2. Jose Art Gallery

    Shirt für Damen - Nude in paradise

    60,00 €
  3. Jose Art Gallery

    Shirt für Damen - Women on pink

    60,00 €
  4. Jose Art Gallery

    Shirt für Damen - No Filter

    60,00 €
  5. Jose Art Gallery

    Shirt für Damen - Brush stroke on the beach

    60,00 €
  6. Jose Art Gallery

    Shirt für Herren - Mycelium plant

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  7. Jose Art Gallery

    Shirt für Herren - Women on pink

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  8. Jose Art Gallery

    Shirt für Herren - Brush stroke on the beach

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  9. Jose Art Gallery

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    60,00 €
Seite

Beschreibung des Kunstwerks

Ed Schaaps Gemälde laden den Betrachter in eine „Traumwelt“ ein, ein fantastisches Reich, das aus den vergessenen Träumen der Menschen beim Erwachen entsteht. Er allein kann sich diese Welt vorstellen und positioniert sich als Anthropologe von Fantasiewesen und Tieren.

Seine Arbeit ahmt die komplizierten Details und den methodischen Ansatz viktorianischer botanischer Illustrationen nach und versucht, diese surreale Welt durch die Linse seiner Kunst darzustellen.

Wie alle seine Stücke ist das Kunstwerk „Mycelium Planter“. beginnt etwas abstrakt, eine Verschmelzung von Ölfarbenschlieren und -klecksen. Die Flexibilität der Ölfarbe, wie Schaap durch umfangreiche Experimente entdeckte, gibt ihm die Freiheit, Farben nach seinen Wünschen zu manipulieren und zu mischen.

Während er weiter an dem Stück arbeitet, tauchen verschiedene Elemente auf. Kreaturen, Tiere und Figuren scheinen sich aus der Abstraktion zu materialisieren, die er dann pflegt und verfeinert. Je länger er sich mit dem Bild beschäftigt, desto lebendiger wird es, als würde das Gemälde selbst zu atmen beginnen.

Das Gemälde entwickelt sich mit Schaap weiter, seine Transformation inspiriert ihn weiter. Es wird zu einem Spiegel, der auf den Künstler zurückstrahlt und dessen sich entwickelnde Form seinen kreativen Prozess vorantreibt.

Über den Künstler

Ed Schaap, ein niederländischer Künstler, wurde 1965 in Sittard, Limburg, geboren. Seine künstlerischen Neigungen lassen sich bis in seine frühe Kindheit zurückverfolgen, in der er eine tiefe Vorliebe für die Bereiche Fantasy und Science-Fiction entwickelte, ein Interesse, das durch das Fernsehen und Shows und Filme seiner Zeit geweckt wurde. In einer Zeit, die von filmischen Meilensteinen wie „Star Wars“ und „Alien“ geprägt war, fühlte sich Ed von diesen unbekannten Welten verzaubert und inspiriert.

Bei der Schaffung seiner Kunst erkennt Ed den Einfluss und die Inspiration an, die er von verschiedenen Künstlern und Konzeptentwicklern erhalten hat. Dennoch hat Ed im Laufe der Zeit erfolgreich einen einzigartigen künstlerischen Weg beschritten, der wirklich sein eigener ist.

Eds Oeuvre besteht aus einem vielseitigen Themenspektrum. Als Inspiration greift er häufig auf Geschichte, Mythen und Legenden zurück, fühlt sich aber ebenso zu alltäglichen Momenten und Gegenständen des Alltags hingezogen.

Darüber hinaus bringt Ed auch eine Prise Humor in seine Arbeit ein, ein Beweis für seine Überzeugung, den Ernst des Lebens mit einer Prise Unbeschwertheit in Einklang zu bringen. Sein vielseitiges Werk lädt den Betrachter in eine Welt ein, die zugleich vertraut und doch voller Staunen und Launen ist.

 

Kaufen Sie Originalkunstwerke des Künstlers: https://joseartgallery.com/de/artists/ed-schaap/artworks

Beschreibung des Kunstwerks

„Nude in Paradise“ ist ein figuratives Aktgemälde aus dem Jahr 2022. Es misst 60 x 76 cm und besteht aus Acrylfarben auf Leinwand.

Der Künstler selbst beschreibt sein Kunstwerk wie folgt:

Nude is Paradise war eine Übung einer alten Zeichnung, die ich damals an der Universität gemacht habe. Die Umgebung wurde von einem Besuch inspiriert, den ich kürzlich in Puerto Rico hatte. Ich habe das Gefühl, dass das Hinzufügen eine perfekte Balance und Komposition ergibt, um das Gemälde perfekt zu machen.

 

Über den Künstler

Benjamin Casiano, ein gebürtiger New Yorker, blickt auf eine vielfältige Karriere als Kreativdirektor, Designer und Maler zurück. Er erhielt seinen BFA vom Pratt Institute in Brooklyn, da er die Malerei schon immer als seine wahre Leidenschaft betrachtete. Sein Werk, das stark von renommierten Meistern auf der ganzen Welt beeinflusst ist, kombiniert Elemente des Expressionismus und des Pop/Neokubismus.

Inspiriert und beeinflusst von den großen Meistern weltweit, aber es sind die Frauen, die in seinem Leben eine entscheidende Rolle spielten, weshalb er ihnen mit seinen Gemälden Tribut zollt. Trotz seiner Tendenz zu geometrischen und abstrakten Formen ist die einäugige Figur ein gemeinsames Thema in seinen Kunstwerken. Dieses Motiv, das sein Alter Ego symbolisiert, dient gleichzeitig als Selbstporträt seines Unterbewusstseins.

Casiano selbst hat erzählt: „Ich bin auf einem Auge blind, aber die Ironie ist, dass ich Jahre vor dem Verlust meiner Sehkraft Figuren mit einem Auge gemalt habe. Vielleicht eine Vorahnung“. Trotz dieser körperlichen Herausforderung hat er nie zugelassen, dass sie seine Leidenschaft und sein Engagement für die Kunst beeinträchtigt.

Casianos Stücke wurden in Galerien von den USA bis Europa und sogar bis nach China ausgestellt und brachten ihm zahlreiche Ehrungen, Auszeichnungen und weltweite Anerkennung durch weltweite Veröffentlichungen ein. Seine Ausstellungen erstrecken sich über verschiedene Städte wie New York City, Philadelphia, Santa Rosa, San Francisco, Paris und Oudewater, Holland. Unternehmen und private Sammler auf der ganzen Welt haben mehrere seiner Werke erworben.

Sein Ziel ist klar: etwas Einzigartiges und Ungesehenes in das Gefüge der modernen Kultur einzuführen. Er beabsichtigt, dieses wunderschöne Gemälde und die Ausstellung einzeln zu machen

 

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Beschreibung des Kunstwerks

„Women on Pink“ von Oleksandr Dobrodiy ist ein symbolisches mythologisches Stück, das das charakteristische Spiel des Künstlers mit Realität und Illusion zeigt. Das Gemälde zeigt drei nicht zu unterscheidende Spiegelungen einer Frau vor einem rosa Hintergrund, die Weiblichkeit und Liebe hervorrufen und gleichzeitig ein Gefühl des Geheimnisses vermitteln. Seine komplexe und nachdenkliche Bildsprache bietet eine innovative Perspektive auf die Kunst und lädt den Betrachter zum Nachdenken und Interpretieren ein.

Über den Künstler

Oleksandr Dobrodiy ist ein renommierter Künstler, dessen kreative Reise bereits in jungen Jahren begann, als er zum ersten Mal Pinsel und Leinwand in die Hand nahm. Er lässt sich vom Leben, der Welt um ihn herum und der Literatur inspirieren und verkörpert diese Elemente in seinen tiefgründigen Kunstwerken.

Nachdem er eine Zeit lang als Theaterkünstler gearbeitet hatte, beeinflusste diese Erfahrung seinen Stil und seine Wahrnehmung der Welt maßgeblich und bereicherte seine kreative Perspektive. Seine Kunst verbindet gekonnt Realität und Vorstellung, indem er das Sichtbare und das Unsichtbare sowie das Greifbare und Erfundene verschmilzt. In seinen Werken verbindet er meisterhaft Zeitreisen und tiefe Betrachtung der Gegenwart und präsentiert einen phantasmagorischen Stil, der in die Interpretation eines lyrischen Autors umgewandelt wird.

Seine Leinwände zeigen Träume, Fata Morganas und eingefrorene Momente der Zeit und schaffen so ein malerisches Reich, das die Fantasie des Betrachters anregt, in dem die Zeit stillsteht und jeder Moment eine besondere Tiefe und Bedeutung besitzt.

 

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Beschreibung des Kunstwerks

„No Filter“ ist eine Verschmelzung von Öl auf Leinwand, Blattgold und Acrylpaste auf einer Fläche von 60 x 50 cm.

Das Kunstwerk stellt eine einzigartige Synthese künstlerischer Materialien dar. Sein zentrales Merkmal, das einen Polaroid-Schnappschuss imitiert, ist ein sorgfältig übermaltes Blattgold. Der Hintergrund ahmt durch die Verwendung von Acrylpaste geschickt die Wandstruktur nach.

Das Gemälde zeigt eine junge Frau in ihrer wahren Schönheit, ohne jegliche digitale Verbesserungen oder Veränderungen, und erinnert an ein rohes, ungefiltertes Bild, das einer Sofortbildaufnahme ähnelt. Die Botschaft hinter „No Filter“ befasst sich mit dem gesellschaftlichen Druck, der auf Frauen ausgeübt wird, eine idealisierte, oft unrealistische Vorstellung von Schönheit zu erreichen. Es stellt den Trend in Frage, künstliche Filter auf Fotos anzuwenden und versucht, Darstellungen in Hochglanzmagazinen nachzuahmen, die in Wahrheit weit von der Realität entfernt sind. Es ist ein Kunstwerk, das gleichzeitig die natürliche Schönheit zelebriert und dazu anregt, sie zu umarmen.

Über die Künstlerin

Die in Mailand geborene Simona Zecca ist eine autodidaktische Künstlerin, die seit ihrer Kindheit das Zeichnen und die Kunst liebt und ihre Leidenschaft für die Kunst auch während ihres Studiums und in der Zeit, in der sie arbeitet, stets pflegt. Im Marketing.

Sie liebt es, neue und vielfältige Techniken zu erlernen und vertiefte im Laufe der Jahre die Verwendung von Graphit, Buntstiften, Aquarell, Acryl, Airbrush und Öl, was derzeit ihre Lieblingstechnik ist.

Im Jahr 2015 beschloss sie, dem allgegenwärtigen Ruf der Kunst zu folgen, der sie sich ab 2016 ganz zu widmen begann. Zunächst fertigte sie mit Airbrush hauptsächlich Helme und Motorradteile an und drückte sich gleichzeitig durch ihre Gemälde auf Leinwand aus.

Im Jahr 2019 begann sie, ihre Kunstwerke auszustellen, was sofort auf große Resonanz beim Publikum und der Kritik stieß und verschiedene Auszeichnungen erhielt.

Ursprünglich hyperrealistisch, drückt sie sich heute durch einen modernen Realismus aus und bevorzugt Frauenporträts. Ihr besonderes Augenmerk liegt seit jeher auf der Ausdruckskraft des Blicks.

 

Kaufen Sie Originalkunstwerke der Künstlerin: https://joseartgallery.com/de/artists/simona-zecca

Beschreibung des Kunstwerks

„Brush Stroke on the Beach“ ist ein surrealistisches Meereskunstgemälde aus dem Jahr 2022. Dieses Kunstwerk hat eine quadratische Form mit den Maßen 100 x 100 cm. Das Stück verwendet Acrylfarbe auf Leinwand.

Das Kunstwerk des Künstlers, ein bemerkenswertes Stück aus der „Brush Strokes“-Serie, befindet sich seit 2002 in der Entwicklung. Die Serie zeichnet sich durch ihr markantes Pinselstrich-Motiv aus, in dem sorgfältig ein komplexes Bild komponiert wird. In den letzten Jahren wurde ein neuartiges Element eingeführt – ein Detail, das über die Grenzen des Innenbildes hinausgeht. Dieses Kunstwerk dient als Betrachtung der paradoxen Natur der Zeit und verkörpert gleichzeitig ihre flüchtigen und beharrlichen Eigenschaften. Es stellt die schnelle Aktion eines einzelnen Pinselstrichs der zeitintensiven Erstellung des darin eingebetteten Bildes gegenüber. Obwohl überwiegend mit Acrylfarbe gerendert, werden die Stücke der Serie auch in Öl und Aquarell ausgeführt. Die Entstehung der „Brush Strokes“-Serie lässt sich auf eine einmalige Gelegenheit zurückführen, als der Künstler 2005 den Auftrag erhielt, ein Cover für das Magazin „Wanted in Rome“ zu entwerfen. Diese Erfahrung gepaart mit einer Idee, die dem Künstler schon lange am Herzen lag Ein Bild, das direkt aus einem Glas gegossen wurde, ermöglichte die vollständige Verwirklichung des Konzepts. Die Serie ist nun ein Zeugnis einer kreativen Reise, die vor Jahren begann.

Über den Künstler

Jonathan Grego ist ein anglo-italienischer bildender Künstler mit Sitz in Bordeaux und einem Abschluss in Kunst in Rom. In seinen Kunstwerken setzt er sich oft mit Humor, Ironie und Provokation mit politischen und gesellschaftlichen Themen auseinander – etwa mit Frieden, Krieg oder dem Laster des modernen Menschen. Er kombiniert verschiedene Techniken wie Öl, Acryl und Aquarell, in die er verschiedene Arten von Collagen integriert. Auf der Suche nach Originalität begann er, seine Leinwände zu zerschneiden, um Objekte wie Legosteine, Puzzles oder Schlüssel einzufügen – oft mit nostalgischer und poetischer Bedeutung.

Seit 2006 stellt er in Galerien in Europa aus und hat mehrere Malwettbewerbe gewonnen. Mit seiner Leidenschaft für Street Art malt er regelmäßig große Wandgemälde in Europa und Australien.

Seine Gemälde sind seit 2016 dauerhaft im „Espace 57“ in Bordeaux, in der Kunstgalerie „Aurora“ in Monsègur, in der Galerie/Atelier „Partage“ in Lesparre-Mèdoc, in der Kunstgalerie „Isartis“ in Nürnberg und in ausgestellt die Kunstgalerie „Ikigai Art Gallery“ in Rom.

 

Kaufen Sie Originalkunstwerke des Künstlers: https://joseartgallery.com/de/artists/jonathan-grego

Description of the Artwork

Ed Schaap's paintings invite viewers into a 'Dream World', a fantastical realm born from the forgotten dreams of people upon awakening. He alone can visualize this world, positioning himself as an anthropologist of fantasy creatures and animals.

His work mimics the intricate detail and methodical approach of Victorian botanical illustrations, striving to depict this surreal world through the lens of his art.

Like all his pieces, artwork 'Mycelium Planter.' commences somewhat abstract, an amalgamation of oil paint smears and blobs. The flexibility of oil paint, as Schaap discovered through extensive experimentation, allows him the liberty to manipulate and blend colors to his liking.

As he continues working on the piece, various elements begin to emerge. Creatures, animals, and figures seem to materialize from the abstraction, which he then nurtures and refines. The longer he delves into the piece, the more it comes to life, as though the painting itself starts to breathe.

The painting evolves with Schaap, its transformation inspiring him further. It becomes a mirror reflecting back at the artist, its developing form driving his creative process onward.

About the Artist

Ed Schaap, a Dutch artist, was born in Sittard, Limburg, in 1965. His artistic inclinations can be traced back to his early childhood, where he developed a deep affection for the realms of fantasy and science fiction, an interest sparked by the television shows and films of his time. During an era marked by cinematic milestones such as Star Wars and Alien, Ed found himself enchanted and inspired by these unfamiliar worlds.

In the creation of his art, Ed acknowledges the influence and inspiration he garnered from various artists and concept creators. Nonetheless, over time, Ed has successfully carved out a unique artistic path that is truly his own.

Ed's oeuvre consists of an eclectic range of subjects. He frequently turns to history, myths, and legends for inspiration but is equally drawn to the ordinary moments and objects of everyday life.

Furthermore, Ed also brings a touch of humor into his work, a testament to his belief in balancing the seriousness of life with a dash of lightheartedness. His versatile body of work invites viewers into a world that is at once familiar yet tinged with a sense of wonder and whimsy.

 

Buy original Artworks of the artist: https://joseartgallery.com/artists/ed-schaap/artworks

Description of the artwork

"Nude in Paradise" is a figurative nude painting created in 2022. It measures 60 x 76 cm, the art piece utilizes acrylic paints on canvas.

The artist himself describes his artwork as follows:

Nude is paradise was an exercise of an old drawing I did back at the university.  The surrounding environment was Inspired by a visit I recently had in Puerto Rico. I feel adding this gives it a perfect balance and composition to make the painting perfect.

 

About the Artist

Benjamin Casiano, a native New Yorker, enjoys a diverse career as a creative director, designer, and painter. He received his BFA from Pratt Institute in Brooklyn, having always considered painting as his true passion. His work, heavily influenced by renowned masters globally, combines elements of expressionism and pop/neo-cubism.

Inspired & influenced by the great masters worldwide, But it's the women that played a crucial role in his life, which is why he pays tribute to them with his paintings. Despite his tendency towards geometric and abstract shapes, a common theme in his artwork is the one-eyed figure. This motif, symbolizing his alter ego, also serves as a self-portrait of his subconscious.

Casiano himself has shared, “I'm blind in one eye, but the irony is I was painting figures with a single eye years before losing my vision. Perhaps foreshadowing”. Despite this physical challenge, he has never allowed it to hinder his passion and dedication to art.

Casiano's pieces have been showcased in galleries from the U.S. to Europe and even as far as China, earning him numerous honors, awards, and worldwide recognition through global publications. His exhibitions span across various cities such as New York City, Philadelphia, Santa Rosa, San Francisco, Paris, and Oudewater, Holland. Corporations and private collectors worldwide have acquired several of his works.

His ambition is straightforward: to introduce something unique and unseen to the fabric of modern-day culture. He intends to do this one beautiful painting and one exhibition at a time

 

Buy original artwork of the artist: https://joseartgallery.com/artists/benjamin-casiano

Description of the artwork

"Women on Pink" by Oleksandr Dobrodiy is a symbolic mythological piece, displaying the artist's signature play with reality and illusion. The painting features three indistinguishable reflections of a woman against a pink backdrop, evoking femininity and love, while instilling a sense of mystery. Its complex and thoughtful imagery offers an innovative perspective on art, inviting viewer contemplation and interpretation.

About the Artist

Oleksandr Dobrodiy is a renowned artist whose creative journey began at a young age when he first picked up a brush and canvas. Drawing inspiration from life, the world around him, and literature, he embodies these elements in his profound artworks.

Having worked as a theatrical artist for a period, this experience significantly influenced his style and perception of the world, enriching his creative perspective. His art skillfully combines reality and imagination, merging the visible and invisible, and the tangible and invented. Through his works, he masterfully intertwines time travel and deep contemplation of the present day, presenting a phantasmagorical style transformed into a lyrical author's interpretation.

His canvases portray dreams, mirages, and frozen moments of time, creating a picturesque realm that captures the viewer's imagination, where time stands still, and each moment holds special depth and meaning.

 

Buy original artwork of the artist: https://joseartgallery.com/artists/alexandr-dobrodiy

Description of the Artwork

"No Filter" is an amalgamation of oil on canvas, gold leaf, and acrylic paste, spanning 60 x 50 cm.

The art piece represents a unique synthesis of artistic materials. Its central feature, imitating a Polaroid snapshot, is a meticulously overpainted gold leaf. Meanwhile, the backdrop cleverly mimics wall texture through the use of acrylic paste.

The painting depicts a young woman in her genuine beauty, devoid of any digital enhancements or alterations, evoking a raw, unfiltered image akin to an instant camera capture. The message behind "No Filter" tackles the societal pressures placed upon women to achieve an idealized, often unrealistic, notion of beauty. It challenges the trend of applying artificial filters to photos, seeking to mimic glossy magazine depictions that, in truth, are far from reality. It's an art piece that simultaneously celebrates and encourages embracing one's natural beauty.

About the Artist

Born in Milan, Simona Zecca is a self-taught artist who has always loved drawing and art since childhood and has always continued to cultivate her passion for art even during her studies and in the period in which she worked. in marketing.

She loves studying new and various techniques and over the years she deepened the use of graphite, colored pencils, watercolor, acrylic, airbrush and oil, which is currently his favorite technique.

In 2015 she decided to follow the ever-present call of art to which she began to devote herself full time from 2016, initially customizing mainly helmets and motorcycle parts with airbrush and at the same time expressing herself through his paintings on canvas.

In 2019 she began to exhibit her artworks, immediately receiving an excellent response from the public and critics and obtaining various awards.

Initially hyper-realistic, she is now expressesing herself through a modern realism and prefers female portraits. She has always been particularly focused on the expressiveness of the gaze.

 

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Description of the artwork

"Brush Stroke on the Beach" is a surrealistic marine art painting created in 2022. This artwork is square-shaped with dimensions of 100 x 100 cm. The piece utilizes acrylic paint on canvas.

The artist's artwork, a remarkable piece from "Brush Strokes" series, has been in development since 2002. The series is distinguished by its prominent brush stroke motif, within which an intricate image is carefully composed. Over recent years, a novel element has been introduced - a detail that extends beyond the interior image's borders. This artwork serves as a contemplation of the paradoxical nature of time, embodying its fleeting and persistent qualities simultaneously. It juxtaposes the swift action of a single brush stroke with the time-intensive creation of the image nestled within. Although predominantly rendered in acrylic paint, pieces within the series are also executed in oil and watercolor. The inception of the "Brush Strokes" series can be traced back to a unique opportunity when the artist was commissioned to design a cover for the "Wanted in Rome" magazine in 2005. This experience, combined with an idea the artist had been nursing about an image being poured directly from a jar, allowed for the full realization of the concept. The series now stands as a testament to a creative journey that commenced years ago.

About the Artist

Jonathan Grego is an anglo-italian visual Artist, based in Bordeaux who graduated in Arts in Rome. In his artwork he often deals with political and social subjects - such as peace, war or the vice of the modern man - with humour, irony and provocation. He combines different techniques such as oil, acrylic and watercolour in which he integrates various types of collage. On the quest for originality he started cutting his canvases in order to insert objects like Lego, Puzzles or keys - often with a nostalgic and poetic meaning.

Since 2006 he exhibits in galleries in Europe and has won several painting competitions. Passionate about street art he regularly paints large murals in Europe and Australia.

His paintings are exhibited permanently in the "Espace 57" in Bordeaux since 2016, in the art gallery "Aurora" in Monsègur, in the gallery/atelier "Partage" in Lesparre-Mèdoc, in the art gallery "Isartis" in Nuremberg and in the art gallery "Ikigai Art Gallery" in Rome.

 

Buy original artwork of the artist: https://joseartgallery.com/artists/jonathan-grego