Ed Schaaps Gemälde laden den Betrachter in eine „Traumwelt“ ein, ein fantastisches Reich, das aus den vergessenen Träumen der Menschen beim Erwachen entsteht. Er allein kann sich diese Welt vorstellen und positioniert sich als Anthropologe von Fantasiewesen und Tieren.

Seine Arbeit ahmt die komplizierten Details und den methodischen Ansatz viktorianischer botanischer Illustrationen nach und versucht, diese surreale Welt durch die Linse seiner Kunst darzustellen.

Wie alle seine Stücke ist das Kunstwerk „Mycelium Planter“. beginnt etwas abstrakt, eine Verschmelzung von Ölfarbenschlieren und -klecksen. Die Flexibilität der Ölfarbe, wie Schaap durch umfangreiche Experimente entdeckte, gibt ihm die Freiheit, Farben nach seinen Wünschen zu manipulieren und zu mischen.

Während er weiter an dem Stück arbeitet, tauchen verschiedene Elemente auf. Kreaturen, Tiere und Figuren scheinen sich aus der Abstraktion zu materialisieren, die er dann pflegt und verfeinert. Je länger er sich mit dem Bild beschäftigt, desto lebendiger wird es, als würde das Gemälde selbst zu atmen beginnen.

Das Gemälde entwickelt sich mit Schaap weiter, seine Transformation inspiriert ihn weiter. Es wird zu einem Spiegel, der auf den Künstler zurückstrahlt und dessen sich entwickelnde Form seinen kreativen Prozess vorantreibt.

Ed Schaap, ein niederländischer Künstler, wurde 1965 in Sittard, Limburg, geboren. Seine künstlerischen Neigungen lassen sich bis in seine frühe Kindheit zurückverfolgen, in der er eine tiefe Vorliebe für die Bereiche Fantasy und Science-Fiction entwickelte, ein Interesse, das durch das Fernsehen und Shows und Filme seiner Zeit geweckt wurde. In einer Zeit, die von filmischen Meilensteinen wie „Star Wars“ und „Alien“ geprägt war, fühlte sich Ed von diesen unbekannten Welten verzaubert und inspiriert.

Bei der Schaffung seiner Kunst erkennt Ed den Einfluss und die Inspiration an, die er von verschiedenen Künstlern und Konzeptentwicklern erhalten hat. Dennoch hat Ed im Laufe der Zeit erfolgreich einen einzigartigen künstlerischen Weg beschritten, der wirklich sein eigener ist.

Eds Oeuvre besteht aus einem vielseitigen Themenspektrum. Als Inspiration greift er häufig auf Geschichte, Mythen und Legenden zurück, fühlt sich aber ebenso zu alltäglichen Momenten und Gegenständen des Alltags hingezogen.

Darüber hinaus bringt Ed auch eine Prise Humor in seine Arbeit ein, ein Beweis für seine Überzeugung, den Ernst des Lebens mit einer Prise Unbeschwertheit in Einklang zu bringen. Sein vielseitiges Werk lädt den Betrachter in eine Welt ein, die zugleich vertraut und doch voller Staunen und Launen ist.

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„Nude in Paradise“ ist ein figuratives Aktgemälde aus dem Jahr 2022. Es misst 60 x 76 cm und besteht aus Acrylfarben auf Leinwand.

Der Künstler selbst beschreibt sein Kunstwerk wie folgt:

Nude is Paradise war eine Übung einer alten Zeichnung, die ich damals an der Universität gemacht habe. Die Umgebung wurde von einem Besuch inspiriert, den ich kürzlich in Puerto Rico hatte. Ich habe das Gefühl, dass das Hinzufügen eine perfekte Balance und Komposition ergibt, um das Gemälde perfekt zu machen.

Benjamin Casiano, ein gebürtiger New Yorker, blickt auf eine vielfältige Karriere als Kreativdirektor, Designer und Maler zurück. Er erhielt seinen BFA vom Pratt Institute in Brooklyn, da er die Malerei schon immer als seine wahre Leidenschaft betrachtete. Sein Werk, das stark von renommierten Meistern auf der ganzen Welt beeinflusst ist, kombiniert Elemente des Expressionismus und des Pop/Neokubismus.

Inspiriert und beeinflusst von den großen Meistern weltweit, aber es sind die Frauen, die in seinem Leben eine entscheidende Rolle spielten, weshalb er ihnen mit seinen Gemälden Tribut zollt. Trotz seiner Tendenz zu geometrischen und abstrakten Formen ist die einäugige Figur ein gemeinsames Thema in seinen Kunstwerken. Dieses Motiv, das sein Alter Ego symbolisiert, dient gleichzeitig als Selbstporträt seines Unterbewusstseins.

Casiano selbst hat erzählt: „Ich bin auf einem Auge blind, aber die Ironie ist, dass ich Jahre vor dem Verlust meiner Sehkraft Figuren mit einem Auge gemalt habe. Vielleicht eine Vorahnung“. Trotz dieser körperlichen Herausforderung hat er nie zugelassen, dass sie seine Leidenschaft und sein Engagement für die Kunst beeinträchtigt.

Casianos Stücke wurden in Galerien von den USA bis Europa und sogar bis nach China ausgestellt und brachten ihm zahlreiche Ehrungen, Auszeichnungen und weltweite Anerkennung durch weltweite Veröffentlichungen ein. Seine Ausstellungen erstrecken sich über verschiedene Städte wie New York City, Philadelphia, Santa Rosa, San Francisco, Paris und Oudewater, Holland. Unternehmen und private Sammler auf der ganzen Welt haben mehrere seiner Werke erworben.

Sein Ziel ist klar: etwas Einzigartiges und Ungesehenes in das Gefüge der modernen Kultur einzuführen. Er beabsichtigt, dieses wunderschöne Gemälde und die Ausstellung einzeln zu machen

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„Women on Pink“ von Oleksandr Dobrodiy ist ein symbolisches mythologisches Stück, das das charakteristische Spiel des Künstlers mit Realität und Illusion zeigt. Das Gemälde zeigt drei nicht zu unterscheidende Spiegelungen einer Frau vor einem rosa Hintergrund, die Weiblichkeit und Liebe hervorrufen und gleichzeitig ein Gefühl des Geheimnisses vermitteln. Seine komplexe und nachdenkliche Bildsprache bietet eine innovative Perspektive auf die Kunst und lädt den Betrachter zum Nachdenken und Interpretieren ein.

Oleksandr Dobrodiy ist ein renommierter Künstler, dessen kreative Reise bereits in jungen Jahren begann, als er zum ersten Mal Pinsel und Leinwand in die Hand nahm. Er lässt sich vom Leben, der Welt um ihn herum und der Literatur inspirieren und verkörpert diese Elemente in seinen tiefgründigen Kunstwerken.

Nachdem er eine Zeit lang als Theaterkünstler gearbeitet hatte, beeinflusste diese Erfahrung seinen Stil und seine Wahrnehmung der Welt maßgeblich und bereicherte seine kreative Perspektive. Seine Kunst verbindet gekonnt Realität und Vorstellung, indem er das Sichtbare und das Unsichtbare sowie das Greifbare und Erfundene verschmilzt. In seinen Werken verbindet er meisterhaft Zeitreisen und tiefe Betrachtung der Gegenwart und präsentiert einen phantasmagorischen Stil, der in die Interpretation eines lyrischen Autors umgewandelt wird.

Seine Leinwände zeigen Träume, Fata Morganas und eingefrorene Momente der Zeit und schaffen so ein malerisches Reich, das die Fantasie des Betrachters anregt, in dem die Zeit stillsteht und jeder Moment eine besondere Tiefe und Bedeutung besitzt.

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„No Filter“ ist eine Verschmelzung von Öl auf Leinwand, Blattgold und Acrylpaste auf einer Fläche von 60 x 50 cm.

Das Kunstwerk stellt eine einzigartige Synthese künstlerischer Materialien dar. Sein zentrales Merkmal, das einen Polaroid-Schnappschuss imitiert, ist ein sorgfältig übermaltes Blattgold. Der Hintergrund ahmt durch die Verwendung von Acrylpaste geschickt die Wandstruktur nach.

Das Gemälde zeigt eine junge Frau in ihrer wahren Schönheit, ohne jegliche digitale Verbesserungen oder Veränderungen, und erinnert an ein rohes, ungefiltertes Bild, das einer Sofortbildaufnahme ähnelt. Die Botschaft hinter „No Filter“ befasst sich mit dem gesellschaftlichen Druck, der auf Frauen ausgeübt wird, eine idealisierte, oft unrealistische Vorstellung von Schönheit zu erreichen. Es stellt den Trend in Frage, künstliche Filter auf Fotos anzuwenden und versucht, Darstellungen in Hochglanzmagazinen nachzuahmen, die in Wahrheit weit von der Realität entfernt sind. Es ist ein Kunstwerk, das gleichzeitig die natürliche Schönheit zelebriert und dazu anregt, sie zu umarmen.

Die in Mailand geborene Simona Zecca ist eine autodidaktische Künstlerin, die seit ihrer Kindheit das Zeichnen und die Kunst liebt und ihre Leidenschaft für die Kunst auch während ihres Studiums und in der Zeit, in der sie arbeitet, stets pflegt. Im Marketing.

Sie liebt es, neue und vielfältige Techniken zu erlernen und vertiefte im Laufe der Jahre die Verwendung von Graphit, Buntstiften, Aquarell, Acryl, Airbrush und Öl, was derzeit ihre Lieblingstechnik ist.

Im Jahr 2015 beschloss sie, dem allgegenwärtigen Ruf der Kunst zu folgen, der sie sich ab 2016 ganz zu widmen begann. Zunächst fertigte sie mit Airbrush hauptsächlich Helme und Motorradteile an und drückte sich gleichzeitig durch ihre Gemälde auf Leinwand aus.

Im Jahr 2019 begann sie, ihre Kunstwerke auszustellen, was sofort auf große Resonanz beim Publikum und der Kritik stieß und verschiedene Auszeichnungen erhielt.

Ursprünglich hyperrealistisch, drückt sie sich heute durch einen modernen Realismus aus und bevorzugt Frauenporträts. Ihr besonderes Augenmerk liegt seit jeher auf der Ausdruckskraft des Blicks.

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„Brush Stroke on the Beach“ ist ein surrealistisches Meereskunstgemälde aus dem Jahr 2022. Dieses Kunstwerk hat eine quadratische Form mit den Maßen 100 x 100 cm. Das Stück verwendet Acrylfarbe auf Leinwand.

Das Kunstwerk des Künstlers, ein bemerkenswertes Stück aus der „Brush Strokes“-Serie, befindet sich seit 2002 in der Entwicklung. Die Serie zeichnet sich durch ihr markantes Pinselstrich-Motiv aus, in dem sorgfältig ein komplexes Bild komponiert wird. In den letzten Jahren wurde ein neuartiges Element eingeführt – ein Detail, das über die Grenzen des Innenbildes hinausgeht. Dieses Kunstwerk dient als Betrachtung der paradoxen Natur der Zeit und verkörpert gleichzeitig ihre flüchtigen und beharrlichen Eigenschaften. Es stellt die schnelle Aktion eines einzelnen Pinselstrichs der zeitintensiven Erstellung des darin eingebetteten Bildes gegenüber. Obwohl überwiegend mit Acrylfarbe gerendert, werden die Stücke der Serie auch in Öl und Aquarell ausgeführt. Die Entstehung der „Brush Strokes“-Serie lässt sich auf eine einmalige Gelegenheit zurückführen, als der Künstler 2005 den Auftrag erhielt, ein Cover für das Magazin „Wanted in Rome“ zu entwerfen. Diese Erfahrung gepaart mit einer Idee, die dem Künstler schon lange am Herzen lag Ein Bild, das direkt aus einem Glas gegossen wurde, ermöglichte die vollständige Verwirklichung des Konzepts. Die Serie ist nun ein Zeugnis einer kreativen Reise, die vor Jahren begann.

Jonathan Grego ist ein anglo-italienischer bildender Künstler mit Sitz in Bordeaux und einem Abschluss in Kunst in Rom. In seinen Kunstwerken setzt er sich oft mit Humor, Ironie und Provokation mit politischen und gesellschaftlichen Themen auseinander – etwa mit Frieden, Krieg oder dem Laster des modernen Menschen. Er kombiniert verschiedene Techniken wie Öl, Acryl und Aquarell, in die er verschiedene Arten von Collagen integriert. Auf der Suche nach Originalität begann er, seine Leinwände zu zerschneiden, um Objekte wie Legosteine, Puzzles oder Schlüssel einzufügen – oft mit nostalgischer und poetischer Bedeutung.

Seit 2006 stellt er in Galerien in Europa aus und hat mehrere Malwettbewerbe gewonnen. Mit seiner Leidenschaft für Street Art malt er regelmäßig große Wandgemälde in Europa und Australien.

Seine Gemälde sind seit 2016 dauerhaft im „Espace 57“ in Bordeaux, in der Kunstgalerie „Aurora“ in Monsègur, in der Galerie/Atelier „Partage“ in Lesparre-Mèdoc, in der Kunstgalerie „Isartis“ in Nürnberg und in ausgestellt die Kunstgalerie „Ikigai Art Gallery“ in Rom.

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