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„Brush Stroke on the Beach“ ist ein surrealistisches Meereskunstgemälde aus dem Jahr 2022. Dieses Kunstwerk hat eine quadratische Form mit den Maßen 100 x 100 cm. Das Stück verwendet Acrylfarbe auf Leinwand.

Das Kunstwerk des Künstlers, ein bemerkenswertes Stück aus der „Brush Strokes“-Serie, befindet sich seit 2002 in der Entwicklung. Die Serie zeichnet sich durch ihr markantes Pinselstrich-Motiv aus, in dem sorgfältig ein komplexes Bild komponiert wird. In den letzten Jahren wurde ein neuartiges Element eingeführt – ein Detail, das über die Grenzen des Innenbildes hinausgeht. Dieses Kunstwerk dient als Betrachtung der paradoxen Natur der Zeit und verkörpert gleichzeitig ihre flüchtigen und beharrlichen Eigenschaften. Es stellt die schnelle Aktion eines einzelnen Pinselstrichs der zeitintensiven Erstellung des darin eingebetteten Bildes gegenüber. Obwohl überwiegend mit Acrylfarbe gerendert, werden die Stücke der Serie auch in Öl und Aquarell ausgeführt. Die Entstehung der „Brush Strokes“-Serie lässt sich auf eine einmalige Gelegenheit zurückführen, als der Künstler 2005 den Auftrag erhielt, ein Cover für das Magazin „Wanted in Rome“ zu entwerfen. Diese Erfahrung gepaart mit einer Idee, die dem Künstler schon lange am Herzen lag Ein Bild, das direkt aus einem Glas gegossen wurde, ermöglichte die vollständige Verwirklichung des Konzepts. Die Serie ist nun ein Zeugnis einer kreativen Reise, die vor Jahren begann.

Palmers spendet von jedem verkauften T-Shirt 10 Euro an den AÖF - Verein Autonome Österreichische Frauenhäuer.

English Version

"Brush Stroke on the Beach" is a surrealistic marine art painting created in 2022. This artwork is square-shaped with dimensions of 100 x 100 cm. The piece utilizes acrylic paint on canvas.

 The artist's artwork, a remarkable piece from "Brush Strokes" series, has been in development since 2002. The series is distinguished by its prominent brush stroke motif, within which an intricate image is carefully composed. Over recent years, a novel element has been introduced - a detail that extends beyond the interior image's borders. This artwork serves as a contemplation of the paradoxical nature of time, embodying its fleeting and persistent qualities simultaneously. It juxtaposes the swift action of a single brush stroke with the time-intensive creation of the image nestled within. Although predominantly rendered in acrylic paint, pieces within the series are also executed in oil and watercolor. The inception of the "Brush Strokes" series can be traced back to a unique opportunity when the artist was commissioned to design a cover for the "Wanted in Rome" magazine in 2005. This experience, combined with an idea the artist had been nursing about an image being poured directly from a jar, allowed for the full realization of the concept. The series now stands as a testament to a creative journey that commenced years ago.

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„Nude in Paradise“ ist ein figuratives Aktgemälde aus dem Jahr 2022. Es misst 60 x 76 cm und besteht aus Acrylfarben auf Leinwand.

Der Künstler selbst beschreibt sein Kunstwerk wie folgt:

Nude is Paradise war eine Übung einer alten Zeichnung, die ich damals an der Universität gemacht habe. Die Umgebung wurde von einem Besuch inspiriert, den ich kürzlich in Puerto Rico hatte. Ich habe das Gefühl, dass das Hinzufügen eine perfekte Balance und Komposition ergibt, um das Gemälde perfekt zu machen.

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English Version

"Nude in Paradise" is a figurative nude painting created in 2022. It measures 60 x 76 cm, the art piece utilizes acrylic paints on canvas.

The artist himself describes his artwork as follows:

Nude is paradise was an exercise of an old drawing I did back at the university.  The surrounding environment was Inspired by a visit I recently had in Puerto Rico. I feel adding this gives it a perfect balance and composition to make the painting perfect.

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„No Filter“ ist eine Verschmelzung von Öl auf Leinwand, Blattgold und Acrylpaste auf einer Fläche von 60 x 50 cm.

Das Kunstwerk stellt eine einzigartige Synthese künstlerischer Materialien dar. Sein zentrales Merkmal, das einen Polaroid-Schnappschuss imitiert, ist ein sorgfältig übermaltes Blattgold. Der Hintergrund ahmt durch die Verwendung von Acrylpaste geschickt die Wandstruktur nach.

Das Gemälde zeigt eine junge Frau in ihrer wahren Schönheit, ohne jegliche digitale Verbesserungen oder Veränderungen, und erinnert an ein rohes, ungefiltertes Bild, das einer Sofortbildaufnahme ähnelt. Die Botschaft hinter „No Filter“ befasst sich mit dem gesellschaftlichen Druck, der auf Frauen ausgeübt wird, eine idealisierte, oft unrealistische Vorstellung von Schönheit zu erreichen. Es stellt den Trend in Frage, künstliche Filter auf Fotos anzuwenden und versucht, Darstellungen in Hochglanzmagazinen nachzuahmen, die in Wahrheit weit von der Realität entfernt sind. Es ist ein Kunstwerk, das gleichzeitig die natürliche Schönheit zelebriert und dazu anregt, sie zu umarmen.

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English Version

"No Filter" is an amalgamation of oil on canvas, gold leaf, and acrylic paste, spanning 60 x 50 cm.

The art piece represents a unique synthesis of artistic materials. Its central feature, imitating a Polaroid snapshot, is a meticulously overpainted gold leaf. Meanwhile, the backdrop cleverly mimics wall texture through the use of acrylic paste.

The painting depicts a young woman in her genuine beauty, devoid of any digital enhancements or alterations, evoking a raw, unfiltered image akin to an instant camera capture. The message behind "No Filter" tackles the societal pressures placed upon women to achieve an idealized, often unrealistic, notion of beauty. It challenges the trend of applying artificial filters to photos, seeking to mimic glossy magazine depictions that, in truth, are far from reality. It's an art piece that simultaneously celebrates and encourages embracing one's natural beauty.

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„Women on Pink“ von Oleksandr Dobrodiy ist ein symbolisches mythologisches Stück, das das charakteristische Spiel des Künstlers mit Realität und Illusion zeigt. Das Gemälde zeigt drei nicht zu unterscheidende Spiegelungen einer Frau vor einem rosa Hintergrund, die Weiblichkeit und Liebe hervorrufen und gleichzeitig ein Gefühl des Geheimnisses vermitteln. Seine komplexe und nachdenkliche Bildsprache bietet eine innovative Perspektive auf die Kunst und lädt den Betrachter zum Nachdenken und Interpretieren ein.

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English Version

"Women on Pink" by Oleksandr Dobrodiy is a symbolic mythological piece, displaying the artist's signature play with reality and illusion. The painting features three indistinguishable reflections of a woman against a pink backdrop, evoking femininity and love, while instilling a sense of mystery. Its complex and thoughtful imagery offers an innovative perspective on art, inviting viewer contemplation and interpretation.

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Ed Schaaps Gemälde laden den Betrachter in eine „Traumwelt“ ein, ein fantastisches Reich, das aus den vergessenen Träumen der Menschen beim Erwachen entsteht. Er allein kann sich diese Welt vorstellen und positioniert sich als Anthropologe von Fantasiewesen und Tieren.

Seine Arbeit ahmt die komplizierten Details und den methodischen Ansatz viktorianischer botanischer Illustrationen nach und versucht, diese surreale Welt durch die Linse seiner Kunst darzustellen.

Wie alle seine Stücke beginnt das Kunstwerk „Mycelium Planter“ etwas abstrakt, eine Verschmelzung von Ölfarbenschlieren und -klecksen. Die Flexibilität der Ölfarbe, wie Schaap durch umfangreiche Experimente entdeckte, gibt ihm die Freiheit, Farben nach seinen Wünschen zu manipulieren und zu mischen.

Während er weiter an dem Stück arbeitet, tauchen verschiedene Elemente auf. Aus der Abstraktion scheinen sich Kreaturen, Tiere und Figuren zu materialisieren, die er dann pflegt und verfeinert. Je länger er sich mit dem Bild beschäftigt, desto lebendiger wird es, als würde das Gemälde selbst zu atmen beginnen.

Das Gemälde entwickelt sich mit Schaap weiter, seine Transformation inspiriert ihn weiter. Es wird zu einem Spiegel, der auf den Künstler zurückstrahlt und dessen sich entwickelnde Form seinen kreativen Prozess vorantreibt.

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English Version

Ed Schaap's paintings invite viewers into a 'Dream World', a fantastical realm born from the forgotten dreams of people upon awakening. He alone can visualize this world, positioning himself as an anthropologist of fantasy creatures and animals.

His work mimics the intricate detail and methodical approach of Victorian botanical illustrations, striving to depict this surreal world through the lens of his art.

Like all his pieces, artwork 'Mycelium Planter.' commences somewhat abstract, an amalgamation of oil paint smears and blobs. The flexibility of oil paint, as Schaap discovered through extensive experimentation, allows him the liberty to manipulate and blend colors to his liking.

As he continues working on the piece, various elements begin to emerge. Creatures, animals, and figures seem to materialize from the abstraction, which he then nurtures and refines. The longer he delves into the piece, the more it comes to life, as though the painting itself starts to breathe.

The painting evolves with Schaap, its transformation inspiring him further. It becomes a mirror reflecting back at the artist, its developing form driving his creative process onward.

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